La palabra inmarcesible, que denota la cualidad de no marchitarse, no solo es musical en su sonoridad, sino también profundamente simbólica para un artista. López Jaso, con su nuevo álbum, nos invita a un recorrido donde el impulso creativo persiste incólume, fluyendo a través de tiempos de altibajos, explorando nuevas sendas con la convicción de quien sigue adelante. Este disco, a cargo de un cuarteto de músicos de renombre, fusiona las raíces vascas con la audacia del jazz, creando una experiencia única y enriquecedora.

La esencia del disco reside en la unión armónica de cuatro virtuosos: el saxofonista Mikel Andueza, el contrabajista Marcelo Escrich, el baterista Dani Lizarraga y el mismo López Jaso. En un par de temas, recibimos la grata compañía del guitarrista Luis Giménez y los evocativos gritos de Iñigo Agerri. Este ensamble musical, imbuido de resonancias ancestrales y guiado por la intuición y experiencia de sus miembros, teje un tapiz sonoro de riqueza cultural y emotiva.

La tradición desempeña un papel crucial en Inmarcesible, ya que López Jaso rinde homenaje a sus raíces vascas al infundir pequeñas dosis de folclore autóctono con giros inesperados. Txoria Txori, una adaptación de un tema de Mikel Laboa, se convierte en un viaje que comienza en la neblina matinal y se despliega hacia paisajes universales con destellos de melodías piazzolianas. Recuerdos de infancia nos sumerge en las reminiscencias de bailes al aire libre y ritmos folclóricos, mientras que Axuri Beltza incorpora gritos de pastores de la tradición mitológica vasca.

El álbum no solo se aferra a las tradiciones, sino que también busca la exploración creativa en composiciones originales. Onaillag es un ejemplo impresionante de esta fusión, donde el acordeón de López Jaso teje notas que evocan la destreza de los maestros franceses del instrumento. Inmarcesible, la pieza titular, resplandece con la energía del jazz mientras se aventura por terrenos variados, guiados por las virtuosas interpretaciones de Andueza y Giménez.

El diálogo musical entre los miembros del cuarteto se traduce en una cohesión excepcional, evidenciando su profundo conocimiento mutuo. Solos accesibles y evocadores emergen como perlas en la narrativa musical, manteniendo la esencia del jazz tradicional con un toque personal que catapulta al oyente en un viaje lleno de matices y sorpresas.

Inmarcesible es un álbum que no solo perdura en el tiempo, sino que también se eleva como una joya conmovedora en la escena musical contemporánea. Con su mezcla de tradición vasca, exploración creativa y pasión por el jazz, Javier López Jaso y su cuarteto han tejido un lienzo musical que captura la esencia de la perseverancia artística y la belleza en constante evolución. Con cada nota, con cada armonía, nos invitan a un mundo donde la música florece sin cesar, un verdadero viaje inmarcesible.

Alicornio, la alianza musical entre Águeda Sastre Zamora y Carlos Martín Aires, presenta su segundo disco Luna de Mayo, un cautivador viaje a través de la rica tradición musical de Valladolid y sus alrededores. El dúo ha dedicado tiempo a explorar archivos musicales, con la Fundación Joaquín Díaz como una de sus fuentes principales, para rescatar canciones antiguas que han sido arregladas e interpretadas con mucho amor y maestría. Luna de Mayo sigue los pasos de su disco de debut, Sol de los soles, ofreciendo una perspectiva sencilla y contemporánea sobre las melodías atemporales.

Los instrumentos principales de Alicornio, el violín, la guitarra y el bouzouki, continúan siendo los pilares de su sonido distintivo. Sin embargo, en Luna de Mayo, el dúo ha decidido explorar nuevas direcciones al incorporar la pandereta y la mandolina. Esta suma refrescante agrega matices a su música sin ensombrecer la rica esencia de la tradición. Además, en el disco han colaborado virtuosos músicos como José Climent, Jaime Muñoz, Luis Ángel Fernández y Jaime Vidal, lo que enriquece aún más su propuesta musical.

Alicornio ha encontrado un equilibrio sutil entre rendir homenaje a la herencia musical de Valladolid y permitir que su creatividad fluya libremente. El dúo ha tejido con éxito un puente entre el pasado y el presente, presentando las canciones tradicionales de una manera atractiva tanto para los amantes del folk como con los, cada vez más numerosos, nuevos oyentes.

El recorrido musical del disco nos lleva por canciones de ronda, seguidillas, romances, jotas, habas, fandangos y un nutrido grupo de composiciones del repertorio de dulzaina castellano. La voz de Carlos Martín Aires, templada, melodiosa y contemporánea se escucha más redonda y evolucionada que en su primer disco, el cual ya nos pareció excelente en su momento. Hay piezas en este trabajo verdaderamente notables: El conocido romance El conde niño con excelentes arreglos de violín, la muy tradicional canción de ronda Luna de mayo que da nombre al disco o la jota zamorana Con el agua con la que se hace difícil sujetar los pies y no ponerse a bailar.

Luna de Mayo de Alicornio es un disco que honra la tradición musical de Valladolid mientras infunde una perspectiva contemporánea. El dúo ha creado un espacio donde la tradición y la creatividad se entrelazan en armonía. En este segundo álbum, Alicornio demuestra una vez más su capacidad para revitalizar el legado musical de Valladolid mientras mantiene la autenticidad que caracteriza su estilo único.

El segundo álbum de El Nido, titulado “Refugios a cielo abierto“, se presenta como un viaje musical intrincado y emocionante. Producido por Diego Galaz, cuyo rastro de creatividad se encuentra en proyectos como Fetén Fetén o La M.O.D.A., este disco revela la capacidad de El Nido para experimentar con diferentes influencias y construir un sonido distintivo y cautivador. No olvidemos que estamos ante lo que podríamos etiquetar como indie folk, un grupo de pop con raíces y con instrumentación acústica. No seremos nosotros los que pongamos reparos por su mayor o menor cercanía a la tradición, por el contrario, invitamos a disfrutar de este trabajo sin prejuicios y sin reparos.

Desde los primeros cortes, Refugios a cielo abierto sumerge al oyente en una amalgama de géneros y texturas. El eclecticismo es la clave, y El Nido lo explora con destreza, tejiendo elementos de folk, pop, y toques rock en un tapiz musical coherente. La presencia de colaboraciones notables, como David Ruiz de La M.O.D.A., el grupo folk Orégano y Ariadna Rubio de TéCanela enriquecen aún más la paleta sonora del disco.

Las canciones fluyen con una gran energía imparable a través de paisajes sonoros cambiantes y a menudo sorprendentes. Temas como Seguiremos cantando muestran la habilidad de El Nido para fusionar elementos tradicionales con arreglos modernos, creando una fusión fresca que es tanto evocadora como innovadora. Por otro lado, Nana para un corazón ofrece un enfoque más íntimo, con letras que penetran en el alma y una instrumentación delicadamente tejida. Quién sabe si Ronda al canto será interpretada dentro de unas décadas como un tema tradicional, pues contiene todos los elementos, en su letra y en su instrumentación para ser considerada como tal (incluida la zanfona de Diego Galaz).

A lo largo del álbum, la producción de Galaz brilla con claridad, capturando la esencia de cada pista y permitiendo que las voces y los instrumentos respiren libremente. La destreza técnica se combina con la emotividad, creando un equilibrio que da vida a las composiciones y realza su impacto emocional.

Refugios a cielo abierto de El Nido es un segundo disco valiente y ambicioso que demuestra la versatilidad, la creatividad del grupo y su evolución artística desde su debut. Con colaboraciones destacadas y una producción cuidadosa, el álbum invita a los oyentes a explorar una variedad de paisajes sonoros en constante cambio. Aunque no está exento de áreas que podrían haberse desarrollado aún más, el disco muestra un progreso prometedor y deja anticipado el camino que El Nido podría tomar en el futuro.

El Nido es un cuarteto integrado por Rodrigo Cachorro (guitarra acústica), Álvaro Herreros (violín y coros), Eneko Lekunberri (percusión y batería) y Nacho Prada (mandolina, bouzouki y voz). En este disco han colaborado José Vera (bajo eléctrico y contrabajo) y Miguel Rodrigañez (Contrabajo).

Casi un cuarto de siglo lleva Aulaga Folk defendiendo la bandera del folk extremeño, una veterana banda cuya propuesta musical se ha nutrido siempre tanto de la tradición como de la experimentación. Nacido en el corazón del cacereño Valle del Ambroz, Aulaga Folk ha tejido su música a partir de las voces y los temas de su tierra, reelaborando los cancioneros populares y los sonidos tradicionales y fusionando diversos instrumentos y estilos.

Regresan los extremeños ahora a escena con su último álbum El Rodar del Bolindre, una espléndida muestra de su habilidad para combinar las raíces musicales con una energía atrevida y experimentadora.

En este nuevo trabajo, Aulaga Folk despliega su abanico musical con maestría, tejiendo una seductora fusión de sonidos tradicionales, armonías de vanguardia y expresiones roqueras. El resultado es una sinfonía en la que se entrelazan los aires flamencos con unas leves pinceladas de Irlanda y todo ello entrelazado con la tradición extremeña, incluyendo el Castúo en alguna letra.

El Rodar del Bolindre se une a la distinguida carrera discográfica de Aulaga Folk, que incluye en estos más de 20 años, El Ambroz, a nuestra manera…, No es mala leña, A menos cuarto y Como siempre lo hemos hecho.

La propuesta musical del nuevo disco, es una clara evolución que rompe, más si cabe, con las etiquetas, incorporando elementos con evidentes toques roqueros, guitarras aflamencadas o sonidos sinfónicos para envolver canciones tradicionales sin abandonar su fuerte compromiso con su identidad regional, representando con orgullo a su tierra extremeña.

El sonido que abre el disco, una canica rodando y rebotando en un suelo del interior de una casa, nos lleva de inmediato a nuestra ya lejana infancia, presagio e introducción de lo que vamos a escuchar en el disco: Una extensa colección de canciones tradicionales de Coria, Montehermoso, la comarca de La Vera y por supuesto, el Valle del Ambroz. Todo ello junto a varias composiciones del grupo, la musicalización de un poema del salmantino Gabriel y Galán y una versión de la mítica A cantaros del venerado cantautor extremeño Pablo Guerrero.

El álbum abre con El Roal del Bolindri, con una guitarra envolvente y seductora, cantada en portugués y castúo, para mostrarnos el camino que iniciamos y abrirnos las expectativas. Dama Si Sale, la siguiente canción del disco, presenta una vibrante fusión de elementos roqueros con una conocida canción tradicional, creando una atmósfera única y enérgica.

Destacaremos también La Jota de las Ganancias con una espléndida instrumentación y las destacadas voces masculinas que contrastan con las voces femeninas aportadas por las cantantes de Mansaborá folk en Los Escobazos de Jarandilla, una ancestral canción de origen pastoril de Jarandilla de La Vera en una versión muy roquera.

La versatilidad de la banda se pone de manifiesto en De Calbotá y Mojiganga, una pieza instrumental con la que vamos y volvemos del Valle del Ambroz a paisajes más norteños, la pieza combina una instrumentación roquera y con pinceladas celtas mientras la melodía se mantiene fiel a su raíz extremeña.

El Rodar del Bolindre es un testimonio de la destreza de Aulaga Folk para crear un mosaico sonoro que abarca diversas influencias y tradiciones. A través de su música, la banda no solo celebra sus raíces extremeñas, sino que también nos invita a explorar nuevos horizontes musicales. Un disco donde las fronteras musicales se difuminan conformando tanto un homenaje a la herencia musical como una exploración de nuevos horizontes.

2 de septiembre de 2023 a las 22:30 h. entrada gratuita hasta completar aforo.

Pepa G. Lillo y Gabriel Navalón son dos músicos experimentados e innovadores que proponen un espacio sonoro de encuentro imaginario entre culturas tan distantes como diferentes y que hermanan tradición con vanguardia con el fin de despertar sentimientos que el público identifique como propios a pesar de la distancia temporal y geográfica.

Ethnos Atramo en concierto invita a disfrutar de la innegable originalidad de su propuesta sonora en directo y ofrece un ecléctico repertorio que mezcla timbres antiguos y ritmos procedentes del acervo popular universal con sonidos de síntesis y secuencias electrónicas. Por otro lado, los distintos idiomas que configuran el programa de concierto (árabe, yiddish, gaélico, ruso, ladino, castellano, entre otros), junto a las poéticas narraciones que lo hilan, convierten los espectáculos en vivo de este vanguardista dúo castellano en un apasionante viaje por las Músicas del Mundo.

Llan de Cubel, uno de los grupos asturianos de más renombre en la música folk, regresa con su esperado álbum La lluz encesa, un trabajo que destila tanto la tradición musical asturiana como sus esfuerzos por insuflarle un nuevo aliento. Desde su formación en 1984, Llan de Cubel ha estado inmerso en la revitalización y divulgación de la rica herencia musical asturiana. Este álbum, su sexta producción en 35 años, se alza como un reflejo de su continua dedicación a estas metas. El disco está dedicado a la memoria de Elias García, componente del grupo fallecido poco antes de su publicación.

La lluz encesa se despliega con una mezcla de canciones, melodías y piezas de baile que abarcan el repertorio del norte de España, compartiendo similitudes con los sonidos tradiciones de Bretaña y Escocia. La utilización de instrumentos vernáculos, como la gaita asturiana y el violín, otorga un toque autóctono a las composiciones, mientras que las contribuciones de artistas invitados como Ian MacLeod, Michael McGoldrick o Pepín de Muñalen entre otros, añaden matices muy interesantes.

El álbum, que mezcla canciones tradicionales y composiciones propias, abarca un espectro musical diverso, desde piezas festivas y alegres hasta melodías más reposadas y solemnes. La destreza de los miembros del grupo es evidente en las interpretaciones instrumentales, donde la gaita, el violín, el bouzouki y la guitarra se entrelazan en una danza sonora cautivadora. Los arreglos cuidadosamente elaborados presentan las composiciones en su mejor luz, aunque en ocasiones las voces podrían haber sido más enfáticas para complementar la riqueza instrumental.

Un elemento destacable es la inclusión de temas tradicionales conocidos en Asturias, un gesto que refuerza la conexión emocional con sus seguidores.

Las notas del libreto y las descripciones de las pistas en el álbum aportan un complemento adicional indispensable a la experiencia auditiva. Las letras y las traducciones, presentadas en asturiano e inglés (¿por qué no en castellano también?), permiten una comprensión más completa de las composiciones y la narrativa que impulsa cada una de ellas.

La lluz encesa de Llan de Cubel es un testimonio de su sólida trayectoria y compromiso con la música tradicional asturiana. Aunque presenta elementos familiares que han caracterizado al grupo durante décadas, se echa en falta un grado mayor de experimentación y evolución en su enfoque musical. Aun así, el álbum ofrece una ventana fascinante a la rica herencia musical de Asturias y destaca el papel continuo de Llan de Cubel en su preservación y celebración.

Músicos:
Simón Bradley – violín
Elías García – Bouzouki y bajo
Fonsu Mielgo – percusión, acordeón, whistle & coros
Xel Pereda – guitarra y voz
Xuan Rodríguez – gaita asturiana, whistles y coros

Invitados:
Borja Baragaño – flauta
Iain MacLeod – mandolina
Mike McGoldrick – flauta
Pepín de Muñalén – flauta y whistle
Andrea Joglar: flauta
Jean-Michel Veillon: flauta

Este artículo aparece en primer lugar en castellano, y a continuación en catalán.

Editorial Almuzara, 2022

He aquí dos libros que pretenden profundizar en la historia y la personalidad del flamenco desde diversas perspectivas. El primero, más moderno, se adentra en la evolución de la civilización y la cultura que dieron lugar a este estilo musical, y el segundo, más clásico, busca las raíces del género desde un plano más teórico.

Rafael Silva ha querido ir muy lejos en su estudio sobre los orígenes del flamenco, tanto que se ha perdido en la noche de los tiempos para desentrañar una aventura que hace arrancar con el primer pueblo conocido que habitó las tierras andaluzas, Tartessos, del que se ignora prácticamente todo, y se desarrolla con los fenicios, los griegos, los romanos, los bizantinos los visigodos y los musulmanes, que hicieron de Al Andalus toda una potencia medieval que la inexistente “Reconquista” culminada por los Reyes Católicos, se encargó de eliminar. Por eso, este autor afirma que el flamenco es el fruto de una tragedia perpetuada desde entonces, que ha continuado reproduciéndose con la persecución y la expulsión de judíos, moriscos, negros y gitanos, todos ellos sufridos habitantes del sur de la península ibérica. Y la respuesta a esta tragedia, en lugar de manifestarse de otras maneras digamos más ideologizadas, lo ha hecho mediante la música.

El arte jondo es un libro casi enciclopédico de más de 500 páginas que nos habla de la historia de Andalucía y de cómo, paralelamente, se va conformando un género que no empieza a ser reconocido hasta finales del siglo XVIII, para vivir su primera edad de oro a mediados del XIX, y una segunda época dorada a partir de 1950. Por eso, aparte de hablar de la estética y de la expresividad flamencas, Silva insiste en la identidad política, social y cultural del pueblo que ha concebido y ha hecho vivir una música que ya es universal. Así, acaba su texto rememorando al padre del nacionalismo andaluz y repitiendo su grito: “Viva Andalucía libre!”

Y precisamente es Blas Infante el autor del segundo de los libros reseñados, El político fusilado por los fascistas durante la guerra civil escribió entre 1929 y 1933 un volumen que ahora ha rescatado la editorial Almuzara. Se diría que esta reedición complementa y al mismo tiempo aporta una base teórica al estudio de Rafael Silva, ya que en cierta medida los dos hablan de los mismos temas. Pero tal vez Infante se pierde en algunas disquisiciones, como la relativa al origen etimológico del término “flamenco”, o a su pretendido carácter popular o vulgar , rural o urbano, individual o colectivo.

Sin duda, se trata de conceptos que en el primer tercio del siglo XX formaban parte de las polémicas que se dieron en torno a este género, pero que ahora están completamente superadas. No obstante, Orígenes de lo flamenco, incluso a pesar de su redacción francamente pasada de moda, constituye un buen ejemplo de cómo se ha ido construyendo el metodo de la flamencología, toda una ciencia que no deja de sumar interesantísimas novedades.

(Esta reseña apareció publicada originalmente en lengua catalana en el número 48 de la revista de música y cultura popular Caramella).

Vet aquí dos llibres que volen aprofundir en la història i la personalitat del flamenc des de diverses perspectives. La primera, més moderna, es capfica en l’evolució de la civilització i la cultura que van donar peu a aquest estil musical, i la segona, més clàssica, busca les arrels del gènere des d’un pla més teòric.

Rafael Silva ha volgut anar molt lluny en el seu estudi sobre les arrels del flamenc, tant que s’ha perdut en la nit del temps per desentranyar una aventura que fa arrencar amb el primer poble que va habitar les terres andaluses, Tartessos, del que es desconeix gairebé tot, i es desenvolupa amb els fenicis, els grecs, el romans, els bizantins, els visigots i els musulmans, que van fer d’Al Andalus tota una potencia medieval que la inexistent “Reconquista”, culminada pels  Reis Catòlics es van encarregar de desfer. Per això, aquest autor afirma que el flamenc és el fruit d’una tragèdia perpetuada des de llavors, que ha continuat reproduint-se amb la persecució i l’expulsió de jueus, moriscs, negres i gitanos, tots ells soferts habitants del sud de la península ibèrica. I aquesta tragèdia, en lloc de manifestar-se d’altres maneres diguem-ne més polítiques, ho ha fet mitjançant la música.

“El arte jondo” és un llibre gairebé enciclopèdic de prop de més de 500 pàgines que ens parla de la història d’Andalusia i de com, paral·lelament, es va conformant un gènere que no comença a ser reconegut fins a les acaballes del segle XVIII, per viure la seva primera edat d’or a mitjans del XIX i una segona època daurada des de 1950. Per això, a banda de parlar de l’estètica i l’expressivitat flamenques, Silva insisteix en la identitat política, social i cultural del poble que ha concebut i ha fet viure una música que ja és universal. Per això acaba el seu text rememorant el pare del nacionalisme andalús i repetint el seu crit: “¡Viva Andalucía libre!”.

I precisament és Blas Infante l’autor del segon dels llibres ressenyats. El polític afusellat per les forces feixistes durant la guerra civil va escriure entre el 1929 i el 1933 un llibre que ara ha rescatat l’editorial Almuzara. Es diria que aquesta reedició complementa alhora que aporta una base teòrica a l’estudi de Rafael Silva, ja que en bona mida parla d’alguns dels mateixos temes que esmenta aquest últim. Però potser Infante es perd en algunes disquisicions, com la relativa a l’origen etimològic del terme “flamenc”, o al seu pretès caràcter popular, vulgar, rural o urbà, individual o col·lectiu.

Sens dubte, es tracta de conceptes que al primer terç del segle XX formaven part de les polèmiques que envoltaven el gènere, però que ara estan completament superades. Això no obstant, “Orígenes de lo flamenco”, malgrat fins i tot la seva redacció francament passada de moda, constitueix un bon exemple de com s’ha anat construint la metodologia de la flamencologia, tota una ciència que no para d’aportar interessantíssimes novetats.

Libres es una joya musical concebida por el cuarteto Las Migas. Conformado por Marta Robles en la dirección y la guitarra, Alicia Grillo en la guitarra, Roser Loscos en el violín y Carolina Fernández, apodada La Chispa, en la voz. Este nuevo disco nos brinda un espectáculo sonoro que navega hábilmente por el flamenco con influencias americanas y de otros géneros.

El álbum Libres, conformado por diez nuevas composiciones, es un estallido de creatividad que transporta al oyente a mundos de mar, tierra y aire, así como a amores liberadores y a mujeres poderosas.

Las composiciones del disco han corrido por cuenta de Mata Robles, a excepción de la rumba Antonia composición proveniente de la pluma de Oriol Riart. Por otro lado, la producción ha sido una labor conjunta de Robles y Riart.

El viaje musical ha contado con colaboraciones de primera línea como María Peláe en La cantaora, donde se exploran sonidos urbanos. El álbum también cuenta con dos composiciones basadas en poemas de Federico García Lorca: Alba, con la voz de Estrella Morente y Rumba para que te enamores, con Tomatito, un tema que brinda una deliciosa fusión.

Dani Flaco se suma a la creación con sus versos en Arena del sur, mientras que Playa de Sanlúcar recupera el espíritu de Antonio Machado.

Las influencias y los sonidos americanos impregnan gran parte del trabajo, aventurándose incluso con el bluegrass con la cautivadora apertura de El querer de una morena.

El repertorio se enriquece aún más con la contribución de diversos talentos. Charly Cuevas, bajista de El Niño de la Hipoteca; los bateristas Dani Tejedor y Juan Ruíz; Bori Albero, contrabajista de Silvia Pérez Cruz; y el actor y músico Álex O’Dogherty, añaden un toque de vitalidad y energía con sus colaboraciones.

La culminación de este álbum es el reconocimiento obtenido: Mejor Álbum de Flamenco en los Grammy Latinos 2022 y tres nominaciones a los Premios MIN 2023, donde obtuvieron el galardón en la categoría de flamenco. Las Migas, que siguen siendo un cuarteto femenino empoderado, han evolucionado hacia una marca, un sello y un modelo en sí mismas.

Libres representa un encuentro con la diversidad musical y la fortaleza de la mujer en el flamenco y más allá. Las composiciones son un testimonio de originalidad y una celebración de la libertad y la igualdad. Con su voz y su arte empapados23 de libertad, demuestran que su música trasciende géneros y fronteras, dejando una huella indeleble en la escena musical actual.

El festival más longevo del sur de Europa vuelve a celebrarse y reunirá a finales de agosto, en la localidad jienense de Jódar, a varias formaciones del folk peninsular.

Viernes día 25
Vigüela
Internacional Citrus Band

Sábado día 26
Tahona
El Naán Trío

los conciertos comenzarán a las 21:30 en la Plaza de Fátima de Jódar

El sábado día 26 a las 12 de la mañana en la Casa de la Juventud, Ismael Peña impartirá un concierto Conferencia bajo el título “Sonidos de barro son”.

Este año se cumple un siglo del natalicio de Hamlet Lima Quintana, uno de los poetas y escritores argentinos más importantes en Latinoamérica y el mundo, reconocido por obras como Zamba para no morir, La amanecida, La cuatrereada, Zamba del Duraznillo y muchas otras, además de su prolífica obra literaria.

Artistas de notable trayectoria y otros del nuevo cancionero fueron convocados para conmemorar este acontecimiento a través de Canciones para no morir, un trabajo discográfico integrado por obras ya grabadas del poeta, algunas inéditas y otras especialmente registradas para esta oportunidad. En el homenaje participan: Teresa Parodi junto al Coro de SADAIC y la dirección del maestro Damián Sánchez, Víctor Heredia, Dúo Coplanacu, León Gieco, Edith Rossetti y Popi Spatocco, Peteco Carabajal, Mónica Abraham y Laura Albarracín, Raly Barrionuevo, Gloria de la Vega y Josho González, Mery Murúa y Paola Bernal junto a Miguel Rivaynera, Casiana Torres y Lucía Ceresani junto a Martín Castro, y el dúo Orozco Barrientos. También cederán interpretaciones grabadas en discos, en directo y algunas inéditas: Litto Nebbia, Ricardo Mollo con “Mono” Izarrualde, Jaime Torres y la Orquesta Sinfónica de Mendoza, Marián Farías Gómez, Liliana Herrero, Lidia Barroso y Lucho González, Gabriel Senanes y Nancy Ocampo, Susanna Moncayo con Oscar Alem, Enrique Llopis, Carlos Bergesio, Julio Lacarra, Miguel Ángel Toledo, José Ceña y Mario Díaz, entre otros.

Canciones para no morir será un álbum doble y conceptual y se presentará en todas las plataformas digitales en dos partes: la primera, el 15 de septiembre, con motivo del centenario, y la restante, antes de fin de año. El proyecto es absolutamente sin fines de lucro y ha podido llevarse adelante con el apoyo del programa de Mecenazgo Cultural de la Ciudad de Buenos Aires y el trabajo desinteresado de los artistas y un equipo de producción y compuesto por Silvia Majul, en Producción General y Dirección del Proyecto; José Ceña, en Producción Artística; y el aval y acompañamiento de la familia del poeta.

Lima Quintana nació el 15 de septiembre de 1923 en Morón, Provincia de Buenos Aires. De niño, sus padres le enseñaron piano, guitarra y le leyeron los clásicos de la literatura. Fue durante el boom del folclore de los años 60´, cuando la poesía aportó una profunda renovación al género­, el momento en que Lima Quintana, junto a poetas como Armando Tejada Gómez, Manuel Oscar Matus y Tito Francia, entre otros, conformaron el Movimiento del Nuevo Cancionero y lograron cambiar esa realidad costumbrista y paisajista del folclore tradicional, colocando la metáfora, la imagen con pensamiento y el realismo social en el canto, marcando así un antes y un después en el repertorio argentino y latinoamericano.