• Foto Irish Treble 2

    Irish Treble celebra St Patrick’s Day en Madrid

    08/03/2022

    El 19 de marzo a las 21h en la sala Galileo Galilei el grupo Irish Treble nos hará disfrutar de la cultura irlandesa, su música alegre y su espectacular baile, con una actuación llena de sorpresas.

    Contarán con grandes músicos para la ocasión: Alberto García, Carlos Soto, Diego Martín (Celtas Cortos), Galen Fraser y Marina Blanot. Y por supuesto, las bailarinas Marta Pampyn, Paula Rodríguez, Eva Llorente y Lidia Llorente.

    Entradas: 12€ anticipada / 15€ en taquilla

    www.irishtreble.com

    Cartel Evento San Patricio-Irish Treble

  • OdiseaOK

    Odisea Invisible – Luis Ceravolo 4

    07/03/2022

    A cualquiera que escuche habitualmente o incursione por primera vez en la música popular argentina le será difícil no tropezarse con el nombre de Luis Ceravolo. El tango, el jazz, el folklore y el rock de ese país lo han tenido como protagonista en las últimas cinco décadas.

    Baterista, compositor, arreglista, productor y profesor de batería, Ceravolo ha participado como músico de sesión en grabaciones para numerosos cantantes y grupos; ha impartido master classes, seminarios y workshops en varios países y ha tocado con las figuras más importantes de la escena del jazz en clubes y teatros de Buenos Aires, Barcelona, Madrid y Suiza. La lista es tan extensa que seguramente son más los que quedan afuera que los que pueden enumerarse espontáneamente. A los nombres de Lalo Schiffrin, Jim Hall, Gino Vanelli, Karlheinz Miklin, Arturo Sandoval, Ariel Ramírez, hay que sumarles los colegas que formaron parte de los diferentes proyectos que integró el baterista: la banda de rock- jazz de Luis Alberto Spinetta (1977-1980), el colectivo La Banda con Rubén Rada y Jorge Navarro, el Trío Baby López Fürst, el Cuarteto Jorge Navarro y sus Cuarteto y Sexteto propios. Sin dejar de mencionar, en un casillero especial, su experiencia junto al gran Astor Piazzolla, con quien compartió la gira por Francia, Italia, Suiza y Bélgica de 1977, parte de la cual quedó plasmada en la placa Olympia 77 (Polydor, 1977).

    Es precisamente aquél contacto con Piazzolla el que proporcionó el sustento para pergeñar este, su nuevo trabajo discográfico al frente de su nuevo cuarteto, ya que tiene como pilares dos temas del mítico bandoneonista que figuraban en la mencionada placa: Zita, con el que inicia el álbum; y Libertango, que lo promedia. Son esos temas emblemáticos de la etapa más progresiva de Astor los que marcan la tónica general de Odisea Invisible: arreglos muy personales (algunos compartidos con Cristian Zárate) que al tiempo que conservan el carácter y la sonoridad originales del tango y el folclore argentino, incorporan el lenguaje abierto del jazz y toda su riqueza expresiva. Tal vez el mejor ejemplo de esto sea la exquisita versión de Libertango, con un arreglo muy elaborado y sustanciales diferencias con la propuesta original de Piazzolla, como la idea de empezar con una improvisación del contrabajo sobre la armonía del tema o ese final totalmente diferente al que todos conocemos, pero que no deja de lado la intención del arreglo primigenio.

    Tanto allí como en el resto de los tracks llama la atención la gran musicalidad que ostenta Ceravolo en su instrumento. Estamos ante un baterista que no se restringe a sostener la base rítmica, sino que lleva la batería a un plano protagónico, pero integrándose y respetando el desempeño de los demás instrumentos, sin eclipsarlos. Y no estamos hablando aquí de músicos que acompañan, estamos hablando de reconocidos solistas que aportan su creatividad y su maestría como ejecutantes para conseguir un álbum de escucha imprescindible: Cristian Zárate al piano, Nicolás Enrich al bandoneón y Juan Pablo Navarro al contrabajo. En Quillén, además, se escucha la voz de su compañera en la vida, Alejandra Martin, como cantante invitada.

    Odisea Invisible es un trabajo donde se respira libertad, un disco de fusión bien entendida, donde cada obra es tocada con el sentimiento que inspira, sin importar demasiado a qué género pertenece. Otra buena muestra de esa libertad es la inclusión de Cherokee, ese añejo tema de Ray Noble que, a fuerza de versiones y más versiones, se convirtió en un standard de jazz. Si se escucha con atención la que ejecuta aquí el cuarteto se descubrirán aires de tango y baguala que lo hacen sonar como un producto auténticamente rioplatense.

    Además de su nuevo cuarteto, Luis Ceravolo integra actualmente el colectivo de música latinoamericana Anacrusa que dirige el maestro José Luis Castiñeira de Dios, el cuarteto de Alejandra Martin y el grupo de rock jazz A 18 Minutos, junto a Guille Arrom, Álvaro Torres y Pato Resico.

    Listado de temas:

    01- ZITA (Astor Piazzolla)

    Arreglos: Cristian Zárate – Luis Ceravolo

    02- CHEROKEE (Ray Noble)

    Arreglos: Luis Ceravolo – Cristian Zárate

    03- LO QUE NUNCA (Nicolás Enrich/ Cristian Zárate)

    Arreglos: Cristian Zárate

    04- LIBERTANGO (Astor Piazzolla)

    Arreglos: Luis Ceravolo

    05- QUILLÉN (Luis Ceravolo)

    Arreglos: Luis Ceravolo

    Cantante Invitada: Alejandra Martin

    06- LA NIÑA DEL ALBA (Cristian Zárate)

    Arreglos: Cristian Zárate

    07- LA PUÑALADA (Pintín Castellanos/Celedonio Flores)

    Arreglos: Leonardo Sánchez, Cristian Zárate y Luis Ceravolo

  • Sala Galileo - raul rodriguez baja

    Raúl Rodriguez. Solo con ”La Lupe” en Madrid

    Raúl Rodríguez: tres flamenco, voz, percusiones y loop station. Artista invitado, Iñigo Bregel (Los Estanques)

    Partiendo de la expresividad de su instrumento propio, el tres flamenco (mezcla de tres cubano y guitarra flamenca) y acompañándose a sí mismo con la ayuda de la loop station (grabando en vivo las percusiones), Raúl Rodríguez reinterpreta sus composiciones originales cruzando los ritmos de un lado y otro del mar y entreverando los sones populares, ofreciéndonos un espectáculo que es un viaje sin moverse del sitio en el que el sonido nos permitirá recordar que el presente no es más que el pasado yendo hacia el futuro.

    Sala Galileo Galilei de Madrid a las 21:00 h.

    Entrada: 12 € VENTA DE ENTRADAS

  • vega

    Vega – Paula Grande & Anna Ferrer

    04/03/2022

    El proyecto Càntut parte de la recopilación del cancionero tradicional de las comarcas de Girona y se manifiesta principalmente en el festival del mismo nombre que cada otoño se organiza en Cassà de la Selva. Además, también realiza diversas producciones, como las discográficas. La segunda entrega de esta especialidad ha sido Vega, un CD firmado por dos cantantes, la ampurdanesa Paula Grande y la menorquina Anna Ferrer.

    La pareja ha seleccionado unos cuantos temas populares extraídos del mencionado cancionero que tienen como particularidad su vinculación con la situación de la mujer y como esta condición ha sido transmitida a través de un repertorio del todo discriminatorio, aunque el disco mezcla las composiciones más lúdicas -la festiva Pepito- con las más emocionales -la conocida La mare, que ya cantara Dyango- y las más desagradables, o tal vez más realistas -Catarineta, una versión de A la plaça fan ballades, en la que un padre mata a su hija por salir a divertirse. Así, con unos arreglos modernos más bien desarraigados, que a menudo sacan de su  contexto el carácter original de las piezas escogidas, Paula y Anna interpretan, eso sí, con mucho acierto, un conjunto de composiciones que forman parte de una historia que hay que superar, pero no olvidar.

    (Esta reseña apareció publicada originalmente en lengua catalana en la revista Directa).

    El projecte Càntut parteix de la recopilació del cançoner tradicional de les comarques de Girona i es manifesta principalment en el festival del mateix nom que cada tardor s’organitza a Cassà de la Selva. A més, també realitza diverses produccions, com les discogràfiques. El segon lliurament d’aquesta especialitat ha sigut “Vega”, un CD signat per dues cantants, l’empordanesa Paula Grande i la menorquina Anna Ferrer.

    La parella ha agafat un grapat de temes populars extrets de l’esmentat cançoner que tenen com a particularitat la seva vinculació amb la situació de la dona i com aquesta condició ha sigut transmesa a través d’un repertori del tot discriminatori, tot i que el disc barreja les composicions més lúdiques –la festiva “Pepito”- amb les més emocionals –la coneguda “La mare”, que cantava Dyango- i les més desagradables, o potser més realistes –“Catarineta”, versió de “A la plaça fan ballades”, on un pare mata la seva filla per sortir a festejar-. Així, amb uns arranjaments moderns més aviat desarrelats, que sovint treuen de context el caràcter original de les peces triades, la Paula i l’Anna interpreten, amb molt d’encert, això sí, un seguit de cançons que formen part d’una història que cal superar, però no oblidar.

     

     

     

  • caamano_ameixeiras-1024x1024

    Ciclo FOLKLORE(S), un festival de conciertos y charlas en Madrid

    03/03/2022

    Del 10 al 13 de marzo, el ciclo FOLKLORE(S) propone conciertos y charlas con figuras de la música tradicional y nuevas formaciones que beben del folklore de la península Ibérica y de otras culturas. El Café Berlín acogerá la propuesta de artistas emergentes como Caamaño & Ameixeiras y folklore de otras latitudes con Martín Bruhn, acompañado por un Ensemble de alumnos del Centro Superior Música Creativa. El ciclo se completa con charlas a cargo de Laura Mayalde, Diego Galaz, Pablo Martín Jones, Xosé Lois Romero y Raúl Rodríguez Quiñones.

    Concierto: Caamaño & Ameixeiras: jueves 10 de marzo | Café Berlín 22:30 h (apertura de puertas a las 22:00) | 10€

    El dúo gallego, forma parte de la gran revelación del folk peninsular. Sus intérpretes, Sabela Caamaño y Antía Ameixeiras reivindican el papel de la mujer como artista y creadora, entendiendo la tradición como algo vivo. Así crean un lenguaje propio, acercando la esencia popular a territorios más contemporáneos.

    «Aire!», bajo la producción de Diego Galaz, es su primer disco y cuenta con colaboraciones tan especiales como las de Sílvia Pérez Cruz, Carola Ortiz, Xavi Lozano o Fetén Fetén.

    Concierto: Martín Bruhn & Música Creativa Ensemble: viernes 11 de marzo | Café Berlín 20:00 h (apertura de puertas a las 19:30) | 8€

    Este percusionista argentino afincado en Madrid lidera desde 2011 su propio proyecto, una nueva manera de mezclar la música tradicional folclórica con los sonidos de la electrónica. Tiene tres discos editados: «Criollo», «Remixes Criollos» y «Picaflor», donde explora el folclore andino en un homenaje a la música y cultura huanca, buscando recrear el sonido tan particular de las orquestas típicas de la zona y su festividad popular.

    En esta ocasión estará acompañado por un Ensemble formado por estudiantes del Centro Superior Música Creativa, que trabajan con Martín profundizando en las estructuras y particularidades rítmicas de las músicas folclóricas, a las que generalmente no estamos acostumbrados en la tradición académica europea.

    Charla: «Folklore(s) a orillas del Atlántico: creando desde la tradición» – sábado 12 de marzo | Artistic Metropol 12:00 h | 5€

    ¿Podríamos hablar de un nuevo folklore marcado por la confluencia de las tres orillas del Atlántico? ¿Una suerte de Caribe-AfroAndaluz?

    Charla entre Raúl Rodríguez Quiñones (músico, productor musical y antropólogo cultural) y Martín Bruhn (músico especializado en fusión de folklore con elementos de la electrónica).

    Debate: «Folklore(s): tradición y modernidad» Charla: «Folklore(s) a orillas del Atlántico: creando desde la tradición» – Domingo 13 de marzo | Artistic Metropol: 18:30 h | 5€

    ¿Será el folk una moda pasajera? Encuentro entre algunas de las figuras más representativas del panorama folk en nuestro país: Laura Mayalde, Diego Galaz, Xosé Lois Romero y Pablo Martín Jones.

    Se debatirán temas como la innovación en el folklore desde el respeto a las tradiciones, los cambios que ha experimentado el folklore en los últimos tiempos y la eclosión de este en el mercado «mainstream».

    Entradas e información

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    Sobre la Fundación Música Creativa:

    La Fundación Música Creativa es una organización sin ánimo de lucro que desde 2007 desarrolla proyectos de impacto cultural, educativo y social a través de la música. Como agente cultural, su objetivo es impulsar la difusión de la musical popular y moderna, a través de la incorporación de las nuevas generaciones de artistas al mundo laboral y el desarrollo de audiencias, específicamente en los estilos menos convencionales de la escena musical actual. Con más de 90 eventos anuales, la Fundación Música Creativa tiene un papel clave en la dinamización del tejido cultural de la ciudad, ejerciendo como nexo entre los talentos emergentes y los programadores culturales.

    Sobre Música Creativa:

    Con 35 años como referente de la educación musical en nuestro país, Música Creativa es un pilar desde 1985 en la enseñanza y la difusión de diferentes géneros musicales alternativos al clásico como el jazz, las músicas actuales, el flamenco o el folklore. Con un plan de estudios estructurado, el centro tiene una filosofía educativa basada en la práctica desde el primer día, especialmente en grupo, y el cultivo de la creatividad, además del uso de la tecnología como herramienta creativa.

  • Vanesa Muela: Fotografía de Carlos Monje

    Vanesa Muela, La música de la España vaciada

    25/02/2022

    ¿Qué le hizo interesarse por la música tradicional?

    En mi casa, mis padres han sido siempre amantes de la música tradicional. De hecho tenían más de 500 discos de esta música… Te diría que antes de nacer ya la escuchaba. Con 3 años empecé a bailar, pero enseguida se dieron cuenta de que tenía buen oído y buena voz, y poco a poco empecé a cantar.

    Y ahora, ¿usted cree que les interesa a los jóvenes estas músicas?

    Yo creo que cada vez hay mas interés por nuestro pasado, y ahí están las músicas de raíz. En este mundo tan globalizado, vestimos, comemos lo mismo… Todo esto hace que perdamos nuestra identidad. Creo que la gente joven se está dando cuenta y está empezando a mirarse hacia adentro y a necesitar esa visión de lo que es tu tierra, tu pasado… Tu música. Por otro lado, mis repertorios son relativamente cercanos en el tiempo, no hace más de 50 o 60 años que se cantaban esas canciones.

    ¿Qué tipo de instrumentos utiliza en sus conciertos?

    En mis conciertos me gusta tocar con instrumentos de cocina, cucharas, almireces, sartenes, conchas, instrumentos con parches de piel, panderos cuadrados, zambombas… Todo lo que haya sido utilizado en la antigüedad para hacer música. La gente podría no saber leer ni escribir, no sabían música, pero tenían un buen oído y sobre todo una buena memoria para aprenderse las melodías sin que hubiese nada escrito.

    ¿Con cuál se siente más cómoda?

    De todos, mi instrumento favorito es la pandereta. Es muy versátil. La panderetera podía estar tocando un domingo por la tarde cinco horas con la mano, con el puño, con el codo…

    Hacer música de raíz implica una recuperación de la memoria. ¿Se está consiguiendo?

    La recuperación lleva haciéndose muchos años. Joaquín Díaz es una eminencia, en su museo etnográfico de Urueña podemos ir a consultar sus múltiples archivos sonoros. Es muy interesante para la gente que nos dedicamos a esto. Ha habido muchos estudiosos que han dejado su huella en trabajos de investigación, pero ahora sería interesante ¨desempolvar¨ esas melodías, que la gente las conozca. Ahora importa la divulgación, para que no se pierdan.

    Sus conciertos suelen ser muy didácticos, citando las fuentes de donde proceden las canciones ¿Hace falta pedagogía con esta música?

    En mis conciertos me gusta contextualizar, contar anécdotas, recordar a las personas que me enseñaron esas canciones, como símbolo de gratitud y como homenaje, porque si yo estoy en el escenario es gracias a esas personas que me han enseñado esas canciones. Aunque también es bueno dejarse llevar por la música. Mis conciertos son muy íntimos, muy minimalistas, el público canta conmigo… Recuperamos recuerdos, la memoria colectiva y ese patrimonio inmaterial que es la música de raíz.

    Es normal verla colaborar con otros músicos de distintos rincones de España. ¿Con qué grupos está colaborando ahora?

    Me gusta mucho experimentar, crecer. Llevo 40 años en la música y el encuentro con otros hace que siga aprendiendo, que me ilusione. Ahora mismo estoy trabajando con La Musgaña, con los vascos Zaraval, con Odaiko, que es un grupo gallego, con el que recuperamos letras y músicas tradicionales y las llevamos a la música contemporánea… Desde hace 15 años estoy con los madrileños Hexacorde, con Crispín d’Olot, que es un juglar leonés, y estoy también con Rodrigo Jarabo, un músico especialista en instrumentos medievales de cuerda pulsada. Con cada uno de ellos hago trabajos y disciplinas distintas. Es música antigua, pero con alguno de ellos poniendo una nota de modernidad.

    Parece que hay pocas mujeres interesadas en estas músicas…

    El tema de las mujeres es crucial. No hay muchos referentes, de hecho cuando yo empecé a cantar no había muchas, y si las había estaban marginadas a la percusión o a la voz. De unos años a esta parte sí que veo más iniciativas con propuestas lideradas por mujeres, pero sigue siendo anecdótico. Yo todavía las echo en falta…

    Vanesa Muela. Foto: Ramón Moratalla

    Es importante señalar que las mujeres han estado relegadas al ámbito doméstico, y, como señalaba, a la voz y a la percusión. Los músicos profesionales han sido hombres. Ellos podían desplazarse varios días a tocar en las fiestas de los pueblos; estoy pensando por ejemplo en los dulzaineros que tocaban en las romerías. Esto implicaba que estuvieran fuera de casa varios días y a las mujeres no les estaba permitido. Eso hizo que los hombres se profesionalizaran mucho antes y las mujeres quedaran más invisibles. Que tardaran más en dar el salto a esos ambientes tan masculinos.

    Y en Europa, ¿cuál es el estado de la música tradicional?

    Yo que he tenido la oportunidad de llevar mi música por toda Europa, he de decir que España es una especie de reservorio. En otros países de Europa la han perdido mucho antes que nosotros, por diferentes motivos, puede ser por una industrialización más temprana. El hecho es que han perdido una gran parte de ese patrimonio, que nosotros todavía conservamos y mantenemos vivo. Nosotros seguimos cantando y seguimos teniendo nuestros ritos y tradiciones, por eso nos miran y nos siguen, para seguir disfrutando de esas músicas. Estamos a la cabeza de muchos países de Europa y creo que estamos empezando a darle la importancia que debería haber tenido hace mucho tiempo.

    El canto, la voz, parece que ha acompañado al ser humano desde que existe, en sus trabajos, en sus celebraciones, en sus despedidas… ¿Qué lugar ocupa en la música popular?

    La voz es el instrumento primigenio de los seres humanos. Antes de atrevernos a tocar cualquier instrumento, el instrumento estaba dentro de nuestro cuerpo. Con él nos comunicamos, transmitimos emociones. Es el instrumento más delicado, ya que le afectan los estados de ánimo. Lo que más me sorprende de la voz es como se convierte en protagonista: ya puede haber una banda de 50 músicos, que en el momento en que hay una voz, todo se transforma con su presencia. La capacidad de enamorar que tiene la voz no la tiene ningún otro instrumento. La voz es la que lleva el alma, quizás por eso es lo que la gente más valora, porque tiene esa fuerza y esa magia que no tienen otros instrumentos.

    ¿Qué se va encontrar el público en su concierto en el Museo Arqueológico Nacional?

    No podía haber mejor sitio para un concierto de una música que se transmite a través de la memoria, que forma parte de nuestra memoria colectiva. Va a haber canciones de toda Castilla y León, una zona que tiene un repertorio muy versátil, muy rico, cualquiera se puede sentir identificado con esas jotas, con esas seguidillas, romances, fandangos, cantos de trabajo, charros, charradas… Va a ser un concierto trabajado desde la emoción. Es una música que va de corazón a corazón, y son letras que pueden estar vigentes ahora mismo: nos siguen preocupando las mismas cosas que hace 300 años… La música tradicional nos eleva, nos sana, nos da mucha alegría y, por tanto, mucha felicidad.

  • paradis

    21/02/2022

    ¿Puede el vanguardismo conjugarse con la tradición? ¿Puede la experimentación dar una nueva funcionalidad al viejo patrimonio musical? ¿Pueden las voces tratadas electrónicamente, los sintetizadores, los pedales y los samplers resucitar el cancionero popular? Tal vez sí o tal vez no. Pero lo que es seguro es que Joana Gomila se encuentra muy cerca de conseguirlo, si esto es lo que pretende, ya que sus objetivos tampoco están del todo claros.

    El segundo disco en solitario de la cantante mallorquina profundiza en el camino iniciado con Folk Souvenir (2016). Y si entonces se hizo acompañar por un grupo digamos convencional, ahora solo ha tenido el único apoyo de la teclista Laia Vallès, además de dos elementos externos de un peso evidente: Joan Manresa a la producción y Joan Miquel Oliver (exAntònia Font) a las mezclas. Y esta profundización se hace patente tanto en las músicas como en las letras de Paradís, ya que Joana no renuncia a cantar las excelencias de su isla, como en el tema que da nombre al CD, o en Deliri, o en Illa -con letra de Antoni Riera- o en la irónica Jota dels hereus, ni a transformar antiguas tonadas de campo como Ametllers ni a alabar la naturaleza con composiciones casi se diría que robóticas, como en Ses flors, en la que su voz vuelve a recordar la de María del Mar Bonet, o a Ses aigües són salades, o a Si mir la mar.

    De hecho, todo el trabajo es una denuncia sobre un paraíso perdido o, mejor dicho, vendido por sus propios amos, hecha a partir de unos parámetros absoluta y radicalmente muevos, que probablemente ahora mismo no tienen nada de tradicionales, pero quién sabe si el tiempo les concederá esta categoría. Porque quién sabe si la electrónica, la disonancia y también el minimalismo adquirirán la condición de música folk. O si esto será otra cosa. Y entonces, ¿de qué cosa se tratará? Quién sabe, pues, si Joana Gomila será considerada una pionera en esta todavía incierta aventura.

    (Esta reseña apareció publicada orginalmente en lengua catalana en el número 43 de la revista de música y cultura popular  Caramella).

    Pot l’avantguardisme conjugar-se amb la tradició? Pot l’experimentació donar una nova funcionalitat al vell patrimoni musical? Poden les veus tractades electrònicament, els sintetitzadors i els samplers ressuscitar el cançoner popular? Potser sí o potser no. Però el que és segur és que Joana Gomila es troba molt a prop d’aconseguir-ho, si és això el que pretén, que tampoc està del tot clar

    El segon disc de la cantant mallorquina aprofundeix en el camí iniciat amb “Folk Souvenir” (2016). I si llavors es va fer acompanyar d’un grup diguem-ne convencional, ara només ha comptat amb el suport de la teclista Laia Vallès, a més de dos elements externs d’un pes evident: Jaume Manresa a la producció i Joan Miquel Oliver (ex Antònia Font) a les mescles. I aquest aprofundiment es fa palès tant en les músiques com en les lletres de “Paradís”, ja que la Joana no renuncia a cantar les “excel·lències” de la seva illa -com al tema que dona nom al CD, o a “Deliris”, o a “Illa”, amb lletra d’Antoni Riera, o a la irònica “Jota dels hereus”- ni a transformar antigues tonades de camp -com a “Ametllers”- ni a lloar la natura amb composicions ben bé robòtiques -com a “Ses flors”, on la seva veu torna a recordar la de Maria del Mar Bonet, o a “Ses aigües són salades” o a “Si mir a la mar”-.

    De fet, tot el treball és una denúncia sobre un paradís perdut o, millor dit, venut pels seus popis amos, realitzada en base a uns paràmetres absolutament i radicalment nous que probablement ara mateix no tinguin res de tradicionals, però qui sap si el temps els concedirà aquesta categoria. Perquè qui sap si l’electrònica, la dissonància i també el minimalisme assoliran la condició de música folk. O si això serà una altra cosa. I llavors, quina cosa? Qui sap, doncs, si Joana Gomila serà considerada una pionera en aquesta incerta aventura.

  • atramo foto

    Concierto de Ethnos Atramo en Toledo

    A las 20:00 Ethnos Atramo, el vanguardista dúo electroacústico presenta un espectáculo de folk, con una cuidada selección de emotivas canciones con exóticas esencias musicales de diversa procedencia: cantares balcánicos, música hebrea (sefardí, ashkenazí y judeoyemenita), baladas centroeuropeas, música andalusí, aires populares castellanos y cancionero gitano.

     

    Ethnos Atramo son:
    Pepa G. Lillo – voz y percusiones (pandereta, pandero con sonajas, darbuka, daf, bodhrán, y crótalos).
    Gabriel Navalón – teclado, programaciones y ambientes.

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  • ses

    La cantautora gallega SÉS visita Sudamérica en marzo para presentar su nuevo disco

    SÉS está considerada como un referente en la escena musical gallega, donde se ha convertido en un verdadero fenómeno por su discurso valiente, novedoso y contundente, vehiculizado en una propuesta musical ecléctica que va desde el rock al blues, pasando por la canción de autor latinoamericana. Todo eso desde una actitud punk y sin ahogar el alma de “cantareira” que vive en su interior.

    Los públicos del sur del planeta tendrán la oportunidad de disfrutar de esta original mixtura a partir del 9 de marzo próximo, fecha en que tendrá lugar el primer concierto de su gira LATAMTOUR 2022 en la ciudad de Buenos Aires.

    SÉS llega para presentar su más reciente trabajo discográfico, Liberar as Arterias, un recorrido por América de norte a sur pero pasado por su propio filtro, que mantiene y potencia el mensaje de su opus anterior, Rabia ao Silencio (publicado en 2019, cuyo título alude a la célebre página del argentino Atahualpa Yupanqui) compuesto por una selección de canciones populares, folclóricas y de autor adaptadas por la cantautora. En esa tarea estará acompaña por el guitarrista Tito Calviño y por Sabela Galbán (voz, flauta, acordeón, gaita y percusiones).

    María Xosé Silvar, SÉS, nació en A Coruña en 1982 y es licenciada en Filología Gallega y Antropología Social. Creció musicalmente en el folclore tradicional gallego y en 2011 lanzó el primero de sus siete trabajos discográficos, que ha llevado por escenarios de toda Europa y Latinoamérica.

    En el concierto del jueves 17 de marzo, que se llevará a cabo en Studio Theater, de la ciudad de Córdoba, bajo el título de Boheme Festival, SÉS compartirá escenario con dos destacadas artistas argentinas, Luciana Jury y Vivi Pozzebón, que recorrerán sus repertorios y parte de sus últimos trabajos discográficos: Abrazo, en el caso de Luciana, y Tamboreras por el mundo, en el de Vivi.

    PRESENTACIONES LATAMTOUR 2022

    9 de marzo: Con Vivi Pozzebón en Café Berlín, Buenos Aires

    12 de marzo: Sala Hugo Balzo, Montevideo

    17 de marzo: SÉS + Vivi Pozzebón + Luciana Jury en Studio Theater, Córdoba

    18 de marzo: Centro Cultural Parque de España, Rosario

    20 de marzo: Teatro Municipal de San Joaquín, Santiago de Chile

  • damian-lemes

    Damián Lemes y Diego Arolfo: “Nos conocimos en un concierto del Chango Spasiuk y la música nos juntó nuevamente”

    “Hay artistas que obtienen con su materia bastante más que una forma bien lograda. Traen a la superficie una energía que viene de su propia intimidad, resuena con todo el resto y hace que su expresión se perciba como una integridad sin artificios. Siento que ocurre esto con las canciones compuestas y cantadas por Damián Lemes”, dijo de él el gran poeta Jorge Fandermole en el prólogo del disco Obrador. Y en términos similares se han expresado otros reconocidos artistas como Ramón Ayala y Teresa Parodi.

    Nacido en la provincia argentina de Entre Ríos, el cantautor Damián Lemes ya es un viejo conocido de Diariofolk. Lleva cuatro trabajos discográficos editados, ha compartido escenarios y grabaciones con los máximos referentes de la música litoraleña y ha traído su música a España y Portugal en 2019. Recientemente, además, la fundación Memoria del Chamamé le ha otorgado el primer premio en el Certamen Internacional de Canciones por su obra La lumbre.

    Diego Arolfo nació en una provincia vecina, Santa Fe (más precisamente en Coronda), pero habita el mismo universo musical. Hace 18 años está radicado en la provincia de Buenos Aires y tiene varios discos grabados en solitario. Ha recorrido festivales y espacios culturales dentro y fuera de su país y recibido reconocimientos de su provincia natal como compositor y por su trayectoria en el folclore. En paralelo con su proyecto ha desarrollado una sólida carrera como cantante en el cuarteto del reconocido músico misionero Chango Spasiuk. Actualmente está próximo a lanzar un EP en todas las plataformas digitales.

    Los argentinos somos ese mbojeré* mezcla de barcos, habitantes nativos y poblaciones africanas

    El próximo 17 de marzo, ambos cantautores compartirán el escenario en un nuevo local recientemente sumado a la escena musical porteña. Buena oportunidad para hablar de lo que los juntó en la vida. De la música, por supuesto, pero también de otras cuestiones.

    PREGUNTA: ¿Cuándo y en qué circunstancias se conocen Damián Lemes y Diego Arolfo? ¿Por qué deciden hacer algo juntos?

    Diego: con Damián Lemes nos conocimos en un concierto del acordeonista Chango Spasiuk en Paraná, Entre Ríos. Desde entonces estamos siempre en contacto a través de las redes, y hoy nos juntó el camino de la música nuevamente para compartir escenario cada uno con su propuesta y, por supuesto, para ensamblar nuestras voces.

    P: Están próximos a presentarse a dúo en Café Berlín de Buenos Aires, ¿cómo se preparan para ese concierto? ¿se puede anticipar algo de lo que sucederá esa noche?

    Diego: El concierto de Café Berlín tendrá una parte de cada una de las propuestas solistas, disfrutaremos de músicos invitados y culminará con una serie de canciones a dúo.

    Damián: El Café Berlín de Buenos Aires es un nuevo lugar donde todo está muy cuidado, tanto sobre como debajo del escenario, por lo que tocar allí será una experiencia muy placentera. Además, contaremos con la presencia de Franco Luciani como invitado.

    P: Aunque el acordeón y el bandoneón se emplean en varios géneros de la música popular argentina, se suele asociar al primero con el chamamé y al segundo con el tango. En tus grabaciones y presentaciones personales, Damián, has alternado entre ambos instrumentos. ¿Qué crees que aporta cada uno? ¿o te resultan indistintos para tu música?

    Damián: Ambos son sonidos traídos por los inmigrantes y son un ejemplo sonoro de nuestro mestizaje cultural. Los argentinos somos ese mbojeré* mezcla de barcos, habitantes nativos y poblaciones africanas. En el caso del acordeón, tiene un arraigo indiscutible en la tradición litoraleña. El del bandoneón es un caso particular, ya que pareciera inseparable del tango, pero también forma parte de la sonoridad litoral, muchas veces interactuando con el acordeón. Lo más curioso es que ninguno de los dos fue creado para estas músicas ni para estas regiones distantes.

    Damián, has compartido escenario con grandes figuras de la música del litoral. ¿Cuál de esas experiencias te resultó más intensa? Y de todos esos artistas, ¿cuál sientes que te haya aportado más en lo profesional y en lo personal?

    Damián: De todas las experiencias he aprendido y a todas las experiencias las he aprehendido y abrazado como un gran aprendizaje. No sólo cantando con Raúl Barboza, Coqui Ortíz, Jorge Fandermole, Chango Spasiuk, Teresa Parodi y Nardo González, entre otros; sino también recibiendo sus consejos mediante una charla con mate o una llamada telefónica. Esa generosidad los hace más grandes aún de lo que son.

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    En tu caso, Diego, ¿cómo es la experiencia de cantar junto al Chango Spasiuk?
    Diego: Me remonto a mi niñez, donde el chamamé está siempre presente, y con el correr de los años, en mis estudios de música, aparece un gran repertorio de chamamé y sus referentes, para poder cerrar un circulo que es como eterno, como decía Jacinto Piedra, un referente universal de la Argentina. En Buenos Aires, el Chango Spasiuk me invita a sus conciertos y ya hace más de 12 años que soy parte de la banda. Son muchos caminos recorridos. Y siendo el cantante de la banda es una gran experiencia con la música del litoral.
    Damián, cuéntanos un poco sobre tu relación con la Fundación de Historia Natural Azara…
    Damián: La fundación Azara me convocó en su momento para componer una serie de canciones del litoral sobre la contaminación de los ríos, sobre el valor de la mujer nativa, sobre lo tordos amarillos en extinción y sobre el propio Félix de Azara. A estas canciones se sumaron otras que forman parte de mi reciente disco ¡Guarango!

    De todas las experiencias he aprendido y a todas las experiencias las he aprehendido y abrazado como un gran aprendizaje

    Diego, ¿de qué se trata tu próximo trabajo, Árida esperanza? ¿Puedes anticiparnos algo?

    Diego: Árida Esperanza es un disco que cuenta tres acontecimientos de mi carrera como solista. El primer tema es una zamba que se llama Locura, una composición mía que habla del estado sentimental en que me encuentro. En el segundo aparece el compartir, una letra de Cuali Lombardi que homenajea a uno de los compositores más prestigiosos y reconocidos de la música popular argentina, Cuti Carabajal, quien me abrió puertas en Buenos Aires. La composición es un aire de chacarera dedicada para él: Cuti es chacarera. El tercer acontecimiento es también compartido con un poeta de Buenos Aires, Diego Cantero. Son tres escritos que evocan la realidad social que estamos viviendo en nuestra República Argentina: Curandería, La voz de las piedras y Árida esperanza; las tres canciones juntas en un solo track.

    * Voz guaraní que significa mezcla de cosas sin orden aparente, mejunje, enredo, revoltijo